我的Chopin年：真實的「缺陷」 vs.美麗的「錯誤」

近來反覆聽這張曾被我打入冷宮、Raumklang 發行的蕭邦，越發覺得疑惑，也很難下筆。深感能接受這樣聲音的Chopin的人，一百人當中，不知是否有一兩個？

如果蕭邦當時的鋼琴樂器的氣質與發聲特質是這樣的話，由唱片史所建立的Paderewski, Cortot, Rubinstein, Richter, Pollini, Argerich 等彈法風格與Chopin (甚至整個浪漫派鋼琴曲) 主流印象，事實上是建立在一個天大的誤會之上?

Chopin 作品用古鋼琴(fortepiano)來演奏，並非是錄音史上的創舉。這次的唱片是Raumklang 的《Leipzig樂器博物館原始樂器系列》 第二彈，曲目包括夜曲與Mazurka 選輯。其中的立論點基於Chopin 於1835年造訪Leipzig， 與Wieck, Mendelssohn 與Schumann交流，在音樂沙龍時演出可能使用彈奏的樂器。

Zvi Meniker 這位古鋼琴家/研究者是一個絕多數愛樂者都沒聽過的名字，目前是Leipzig Mendelssohn 音樂院的教授。他在唱片解說裡提出幾個論點來支持他為何使用這部 Trondlin pianoforte 的理由：

1) 我們所習慣的現代鋼琴與聲響，是1860年中期至後期才在音樂史中出現的產物。而Mendelssohn 死於1847年，Chopin 死於1849年，Schumann 1853年即停止鋼琴曲的創作。換句話說，他們在死前壓根兒沒聽過像 Steinway concert grand，採用金屬響板、高音亮麗、低音下沉雄渾「大腹」的聲音與表現特質。

2) Trondlin 這部琴在當時的歐洲，如 Vienna, Poland, Russia 等音樂聖地地都獲得相當的接受度與好評，可當作 Érard, Pleyel 古鋼琴之外的一種選擇 。

3) 蕭邦的華美繁複的伴奏音型在現代鋼琴上，常需要抑制才不會過度干擾到主旋律的行進。但以聲響較快消退、琴槌外覆較薄的古鋼琴演奏時，可以不混濁地按譜自然彈奏，保持聲部間的平衡。

4) Chopin 大量的連奏線(slurs) 與特別在譜記上仔細講究的踏瓣使用(pedaling)，更適合pianoforte的特色。

為何究極聽Bach 管風琴，至少要聽過他同時代的Silbermann琴的錄音? 雖然不需獨尊一門，但是它能帶我們趨近Bach 所習慣或意圖的音色、規模、與音栓變化的獨特性。機械式風琴與電動式/電腦中控、反應迅速的新琴，有著全然不同的風味。

就像藍調歌手 Muddy Water 當時使用的吉他雖然插電，但有真空管amp與50年代 Bassman design之類溫暖但粗曠的特殊聲音印記，而非 digital amplification與電腦混音的結果。Chopin 創作靈感及所彈奏的鋼琴，也不是20世紀初開始，才全球化的Steinway。

原始樂器、performance practice與考據，不見得是音樂的全部。但是，你所喜歡的大聲、激昂、對比反差強烈且 full-body 的蕭邦 ，到底是誰，到底屬於哪一個世紀? 喜歡Chopin 20世紀的演奏樣式不是原罪，但是否可能接受些挑戰，不劃地自限地禁錮在自己熟悉的聲音?

Chopin年，倒不一定只能聽原始樂器(也至少還有一部2007年被發現，Chopin 於1848年最後擁有的Pleyel 古鋼琴)，而是可以重新去瞭解其音樂的曲式、特殊音色與情緒觸感、以及21世紀的新典範可能，而不是活在了無新意的重發片或大堆頭全集的世界裡。反洗腦，重新抹掉腦中蕭邦的集體印象，重新評價思考「已熟悉的」舊樣式，或許是一種痛苦但需要的學習。

真實，如果不符合集體的腦中印記，是否要被「20世紀主流演奏慣例」之霸權所抹滅? 錯誤，如果是美麗的，我們便寧願活在被它洗腦的Matrix 世界?