Mingus的音響亂壇(之八)：音樂的「固著」與「流動」

最近在英國Queen Elizabeth Hall 有一系列的音樂會「威尼斯斷簡」(Fragments of Venice)。其中一場由小提琴家Irvine Arditti演出Nono 寫給Gidon Kremer的作品： "La Lontananza nostalgica utopia futura"。 在音樂會的樂評中，有一段頗具啟示、一針見血的觀察(尤其針對以「音場論」為王道的理論)，茲粗譯如下(以斜體表示)：

在一個教堂裡, "空間"形塑了你所聽到的聲音。在中央走道上，你會聽到在側翼所聽不清楚的回響。連屋頂的高度，都足以影響聲音的質地，但這些全是整體經驗的一部份。Nono 讓小提琴家在聽眾席中不斷移動。「 行進」與「移動」在許多文化當中，都是音樂經驗的一部份，不只限於基督教。這是三百年來為西方音樂的"固定舞台方式"(the fixed-platform approach)所主導下，我們所失去的東西。Arditti 繞了廳堂一圈，在不同地方的平台上演奏 。剛開始時，他在"何處"演奏好像挺重要，然而隨著音樂的進行，焦點(focus)這件事似乎不在重要。真正懾服人心的是，此經驗中一氣呵成、環繞包覆的音樂特質。漸漸地，現場演出的與錄音重播的界線已無關緊要，這位小提琴手與"他電子聲響化的自我"對話之如出一轍，使得「真實」本身一再模糊不明。我們得到的是一種威尼斯的意象，一半建築在水上，另一半在陸上，海天交會於地平線之彼端。

.......有一位專攻當代音響科技的數理的朋友曾經說過，我們對mono 與stereo的觀念實在落後原始地無可救藥，聲音應該是「充滿空間, 無所不在的」(ambient)，從各個源頭，以各個層次的音壓朝向我們撲來。無論聲音的來源在哪裡，我們的大腦都會過濾處理這些訊息。產生音樂的，並非單一平面的聲音騷動，而是一種更難以捉模的東西。所有的聲音因素都是整體經驗的一部份。所以，在演出當中，如果我們聽到外頭工人工作的聲音，或觀眾的咳嗽聲，這都不應成為問題，因為這樣的音樂是多層次在運行著。記得Nono，他就是坐在教堂當中，卻感知一個不同的世界在外面兀自運轉。

芝加哥音樂廳有一區在舞台後方的位子，我在那裡聽過小澤征爾指揮的馬勒第九。剛開始時的不習慣可想而知，銅管迎面而來，弦樂遠退到後方，但過了一陣子後，我開始專注指揮與團員的細微互動。更特別的是，當你把眼睛閉上，不由"視覺"的主導來「看」音樂，所聽到的聲音的「定位」、「方向」等等，通通不及聲波及馬勒樂念緊緊包裹(不只是耳畔的)整個身體的衝擊。

我想到的是， 之前在國外很喜歡去聽朋友樂團的rehearsal。在那裡，他們不是在音樂廳裡練，只要找到一個室內場地，隨地都可以排練。樂器聲部的所在位置，也不特別拘泥固定的排法。銅管就成一長排，打擊樂也各自分散開來 。大多數的時候，我必須坐在絕非皇帝位的角落裡。Rossini的La Gazza Ladra序曲，開頭的snare drum、定音鼓和弦樂的齊奏，是從四面八方來的。但是，絕不因為定位的「不準確」，而阻礙了聲部間的交錯與和諧。

或許，音響上的音場這件事，其中一個意義在於補償聽者「不在現場」的視覺擬真性，以定位來讓你「看到」樂器樂手的確切位置。但是對以視覺為主的音場定位論，變成一種執著fetish 之後，這與"活的音樂"經驗完全違背(聲音的無方向性)。我們或許忘了，許多不依「固著舞台及演奏者」典範的流動式音樂演出(New Orleans的行進式葬禮, 台灣的Si-Sol-Mi,, 街頭音樂演出，宗教的某些儀式中音樂等)，其中有許多值得取經之處， 可供我們「框架之外思考」(think outside the box) 。

音樂音響不存在一種「絕對聽法」，被主流聲音一再recycle的 fixed-platform approac、音場論,，都只是萬萬可能中的一種罷了。